Una vez más las calles y las salas de Buenos Aires expresarán, del 7 al 25 de septiembre del presente año, la potencia cultural de los hispanos. En este caso, la cita será en la capital agentina; pero este tipo de festivales se realiza cada vez más a menudo en países como Brasil, Chile, México y España.

Hasta hace unos años, era impensable ver a los mayores exponentes de las artes dramáticas en la Argentina; hoy es una realidad. El país ya cuenta con un Festival de Cine, un Festival de Tango y varios eventos culturales de nivel internacional. Este país es visto como usina de las artes dramáticas y visuales, y como un centro exportador de talento al mundo entero.

Algo para todos los gustos

La edición pasada congregó a más de cien mil espectadores. Este año, se espera que el festival siga creciendo, para lo cual se convocó a expresiones artísticas de altísimo nivel venidas de todas partes del mundo: Francia, Alemania, República Checa, Argentina, Brasil los Estados Unidos, Suiza; hasta de Sudáfrica.

Diversidad no va a faltar: dirán presente el teatro, la experimentación, la danza, la apropiación de nuevas tecnologías aplicadas a la escena y una mirada contemporánea de grandes directores sobre textos clásicos de grandes dramaturgos.

A continuación, un punteo de las actividades más descollantes. El cronograma completo, con fechas y sedes, se encuentra en www.fetivaldeteatroba.gov.ar.

Espectáculos Internacionales

Teatro

-Endstation Amerika, de Frank Castorf –Alemania-

El director, Frank Castorf, es uno de los directores más aclamados y controvertidos de Alemania. Sus puestas exploran límites del lenguaje teatral. Ha convertido a su teatro en uno de los espacios culturales más innovadores de Alemania.

En este casom Castorf presentará una adaptación de Un tranvía llamado Deseo de Tennesee Williams. Todos los personajes de la obra son prototipos individuales trazados en el miedo a la deseperación y la megalomonía. Esta obra, como sus otras adaptaciones de obras clásicas, es una incisiva reflexión sobre el mundo contemporáneo.   

-Tío Vania, de Luk Perceval –Bélgica-

La obra trata sobre la apacible vida de Vania y su nieta Sonia, hasta que esta se ve perturbada por la llegada de un viejo profesor y de su joven esposa. Esta es la cuarta obra que dirige Luk Perceval de Chéjov, después de La Gaviota, El Jardín de los Cerezos y de Ivanov.

El director enfoca la obra en la cruda confrontación entre personajes solitarios y desesperados que anhelan amor y lo buscan en un mundo, que detrás de todo el humor, es esencialmente estúpido, arrogante y egocéntrico.

La compañía que realiza esta obra, llamada Het Toneelhuis, es la más grande de Flandes. Surgió en 1998 como resultado de la fusión entre el Teatro Real Neerlandés -KNS – y la Blauwe Maandag Compaigne, un grupo de actores muy exitosos que trabajaban al margen del teatro oficial y eran dirigidos por Perceval.

Perceval tomó el mando de la nueva compañía y con elecciones artísticas innovadoras e inclusive drásticas, en poco tiempo renovó la imagen acartonada del teatro nacional.

-Telesquat, de Bruno Beltra –Brasil- 

Telesquat es el nombre dado por los médicos, en los años ‘50, a una supuesta enfermedad que atacaría a los que miran televisión en exceso. Este espectáculo investiga el impacto de la televisión en nuestra manera de observar y de pensar el mundo. Además, de la obra misma y de los efectos especiales, la música sirve como recurso extra para volver más comprensible y atractiva la danza. Así, aumenta minuto a minuto, la cantidad de mediadores que hay entre el cuerpo que baila y el público. Refleja como a partir de la televisión la figura del mediador fue ganando importancia aproximando realidades que antes no se tocaban.

Bruno Beltra empezó sus estudios de danza a los 13 años y desde 1996 es el fundador de GRN (Grupo de Rau de Niteroi), con quien se ha presentado en numerosos festivales internacionales.

-Los ciegos, de Denis Marleau –Canadá-

Doce rostros surgen de repente en la oscuridad. Hombres, mujeres; todos ciegos; todos perdidos en el bosque, lejos del hospicio donde viven. Todos esperando un guía que no aparece. Se sienten inmóviles, hablan para confirmar su propia existencia. La ansiedad va creciendo en la obra, los silencios son momentos de oscuridad. Los ciegos es un espectáculo que retrata la fragilidad de la condición humana con un lenguaje minimalista. Habla sobre la soledad que evoca la pérdida de Dios, lo que le da una resonancia moderna a una obra escrita en 1970.

Denis Marleau, es adaptador, escenográfo y director. Realizó más de 35 representaciones con la compañía de teatro que fundó en 1982. Y hace unos años con Los ciegos, concibió una fantasmagoría tecnológica.

-The end of the moon, de Laurie Anderson

Esta obra es el segundo de una serie de unipersonales de Laurie Anderson, una de las principales artistas performáticas del mundo. Su impronta es combinar historias, canciones y música en una puesta con recursos tecnológicos sencillos para crear un retrato ambicioso de la cultura contemporánea estadounidense. Desde su trabajo United States I-V, su tema recurrente es la relación entre la cultura y la tecnología. The end of the moon analiza las relaciones entre la guerra, la estética, la carrera espacial, la espiritualidad y el consumismo.

Anderson es artista visual, compositora, poeta, fotógrafa, cineasta, experta en electrónica, cantante e instrumentista. Posee varios discos publicados, más de 6 libros, sus obras han sido expuestas en los principales museos de EEUU y Europa. Ha compuesta la música de películas y obras de teatro. Fue una de las pioneras del uso de tecnologías en las artes.

-Érection, de Pierre Rigal y Aurelién Bory –Francia-

La obra presenta  un hombre, que tendido en el suelo va a contar la larga historia del pasaje desde la posición de acostado hasta la de parado. La idea coreográfica es extremadamente mínima, pero a pesar de lo radical de esta propuesta de búsqueda, el camino que tomará el bailarín se abrirá en varias direcciones.

Para este individuo o criatura cada nivel alcanzado será sistemáticamente una nueva capa de cuestionamientos, porque en cada momento el objetivo es llegar hasta el nivel siguiente, sin conocer la meta final: pararse.

Por eso, no escapa a falsas pistas, desequilibrios, fatiga muscular y pausas psicológicas. El espectador asiste, a través de los movimientos, a la resolución empírica y a veces absurda de un problema.

Pierre Rigal, es director, coreógrafo y bailarín, y luego de dirigir videoclips y un documental, por primera vez, expone una obra de teatro propia.

-Display Píxel 3, de Vicent Epplay y Antoine Schmitt –Francia-

Después de Display Píxel 1 y 2, Epplay y Schmitt realizan un tercer trabajo en colaboración. Epplay improvisa en vivo, ejecutando sonidos y música a partir de escenas audiovisuales que reaccionan de manera semiautomática. Las escena diseñadas y programadas por Schmitt, son activadas con los sonidos de Epplay, y reaccionan y actúan de manera autónoma.

A diferencia del clásica DJ/VJ, cuyo vocabulario e limita al collage y a la yuxtaposición, esta obra trabaja la relación física ente imagen, sonido movimiento ycausaliudad.

Epplay es artista plástica y música, y trabaja con la materialización del sonido y sus modalidades de difusión y recepción, cuestionándolas. Schimtt, por su parte, es un programador y artista, cuya obra se ubica entre la abstracción y la estimulación dinámica.

-Noche de reyes, de Declan Donnellan –Reino Unido y Rusia-    
Donellan trata con refinado humor y maestría esta delicada trama en la que se cruzan temas como la muerte, el erotismo y la identidad. Su director escogió a actores rusos para interpretar todo los papeles de esta obra de Shakespeare. El resultado es una puesta que muestra toda la belleza y picardía del autor isabelino, lleno de enredos y equívocos hilarantes, en la que el armado nunca es lo que parece, ya que suele esconder bajo un disfraz su verdadera identidad.

Su director, además es dramaturgo y escritor, y desde 1981 es uno de los fundadores de la compañía Cheek by Jowl, que es una de las más importantes de Inglaterra.

-Night Moth, de Petra Hauerová –República Checa-

Una pesadilla de una mujer atrapada que se transforma en una mariposa nocturna. Night Moth es un solo de danza-teatro cuya protagonista es una mujer que trata de crear un mundo desconocido en el que ella pueda existir. Su objetivo es encontrar un nuevo universo donde pueda combinar su propio ser y el mundo que la rodea para conformar un ser humano completo que integre ambos elementos. Así produce dos sistemas: el espacio y la personalidad, y explora sus conexiones hasta el punto de ruptura. Esta obra trabaja en la difusión de la danza con componentes expresivos y el uso de nuevas tecnologías.

-Daddy, I´ve seen this piece six times before and I still don´t know why they´re hurting each other, de Robyn Orlin –Sudáfrica-

Daddy explora la política en el arte a partir de pensar que la obra otorga y la toma de posesión que el espacio implica. Seis interprétes se pelean por el mismo espacio, mientras que su directora venga a la función. Llenos de pánico. Cinco minutos antes del show, aguardan pero la coreógrafa no aparece. En este sentido, la obra plantea una pregunta sobre el poder y, es a la vez, una renuncia a sí mismo, lo que afronta el cuestionamiento más amplio que atraviesa el presente de Sudáfrica, el apartheid.

Orlin, es una controvertida y provocativa coreógrafa que ha transformado en los últimos 20 años los límites entre el arte performática y la danza. Ha trabajado como coreógrafa, productora, bailarina y docente en diversos medios que incluyen televisión, cine, teatro, danza y ópera. Aunque se caracteriza por el eclectisismo de sus obras, éstas siempre integran a la comunidad y el público.

Espectáculos nacionales

-Afuera, de Gustavo Tarrío (Grupo Sanguíneo)
Afuera combina elementos de la comedia física y del melodrama, atravesados por una edición cinematográfica. En el último piso de un edificio hay una fiesta. En la terraza se encuentran cuatro personajes que no tienen nada que festejar. Lo único que les queda es subir a la terraza; allí cada uno mostrará fragmentos de su historia. Afuera cruza el retrato de dos parejas: la de  una madre viuda y su hijo adolescente y la de un matrimonio mal avenido y en franca disolución. Estos cuatro personajes que, dentro de la fiesta, serían inofensivos, juntos y afuera se activan hasta producir un estallido incontrolable.
El Grupo Sanguíneo está formado por Juan Pablo Garaventa, Valeria Lois, Martín Piroyansky y Lorena Vega. Se conocieron estudiando con Nora Moseinco y siguieron su formación con Guillermo Angelelli, Alejandro Catalán, Ciro Zorzoli, Gabriel Chamé Buendía y Paco Giménez.

-Centuria Cero, de Gabily Anadón (Reverso)
Centuria cero recrea la tragedia de la existencia en las grandes urbes: la automatización que produce la rutina, la asfixia, la incomunicación, la reducción del individuo por su hacinamiento en un espacio mínimo. Como en la jaula de un hamster, el hombre queda inmerso en un juego cíclico: girando en la rueda.
La condena al pragmatismo amordaza la emoción del ser humano y su realidad degenera en una cotidianeidad plagada de mecanismos fóbicos, de histeria y de agresividad.
Su protagonista transita diversas situaciones opresivas que se reiteran, como eternas recaídas en sensaciones de caos y confusión. Pero “todo lo que cae puja por rehabilitarse”, “todo final es un punto de partida”. Así como en la idea de muerte está implícita la de vida, en todo despliegue dialéctico se encuentra latente la posibilidad del cambio.
La búsqueda de Reverso está orientada a la integración de lenguajes. Es en base a pautas o a elementos específicos que construyen la puesta general de cada espectáculo, creando así un universo poético particular. Su trabajo pretende considerar todos los elementos de sus obras como fundamentales para que logren conformar un mismo lenguaje.

-Llueve, de Eugenia Estévez y Gabriela Prado
La intimidad definiría el más interior de los espacios, el más lleno, el más cerrado. Se convierte en un reducto, el único lugar en el que nos ocultamos de la mirada de los demás, en el que cada uno es único e invisible desde el exterior de los muros. Esta intimidad -creada como interior intenso, como interior propio y marcado desde la propia individualidad- se constituye como espacio privado.
Eugenia Estévez y Gabriela Prado volvieron a encontrarse en el año 2003. Regresaban de Europa donde habían realizado investi-gaciones sobre el movimiento. Emprendieron un trabajo de investigación para dejar registro de sus últimas experiencias,  buscando el lenguaje para decir, austeramente, sólo lo necesario acerca de su concepción del cuerpo, de la danza y de la escena.

-La estupidez, de Rafael Spregelburd (El Patrón Vázquez)
La estupidez  muestra la fragilidad de la inteligencia en los tiempos que corren.
Un grupo de gente intenta hacerse rica en Las Vegas. Un método matemático para ganar a la ruleta guarda relación con la temible ecuación que encripta el secreto del Apocalipsis. Dos criminales deben vender un cuadro robado antes de que se termine de borrar por completo. La mafia siciliana fabrica una nueva estrella pop. Y unos policías motorizados viven una intensa historia de traiciones. Pero todo esto ocurre, lamentablemente, al mismo tiempo. Y en Las Vegas.
Se puede sufrir eternamente sin aprender nada para la próxima vez.

-Amores metafísicos, de Marcelo Subiotto (Colectivo Teatral Puerta Roja)
Amores metafísicos es un espectáculo de canciones y palabras: suelto, simple, sonoro. Año tras año, su autor amplía esta obra con nuevos textos y canciones. Son coincidentes las opiniones sobre sus temas. Entre otros, el gran poeta rioplatense Víctor Carlos Dellamira dijo: "Amadeo es el verbo encendido, la palabra desesperada en el absurdo océano de los sordos, la oración inquietante sobre el velo de los cautos, la pluma nocturna descifrando el sueño del alba".

-Foz, de Alejandro Catalán
Una camioneta avanza por una ruta en la noche. En su interior van un padre, un hijo y un criado. Los encontramos ya próximos a su destino final, Foz de Iguazú, unas horas antes de emprender el último tramo de su viaje por un camino de ripio...
Foz es una experiencia de actuación. En ella habita tal grado de fición que los espectadores son llevados casi literalmente en este viaje y convertidos en testigos de la convivencia de estos tres personajes. Testigos, porque la obra propone una relación con el espectador sin mediaciones, en la que el contacto con el gesto actoral adquiere una potencia decisiva como acontecimiento narrativo. La actuación intenta profundizar la autonomía escénica.

-El sabor de la derrota, de Sergio Boris (Grupo La Bohemia)
El sabor de la derrota transcurre una noche de principios del siglo XX en Ingeniero White. Un padre con trastornos bronquiales y su hijo se sostienen en una precaria vivienda. La madre ha muerto y el hijo ha decidido ir a Buenos Aires a buscar trabajo. En una atmósfera siniestra, ambos se relacionan con un peón que deberá, además de ayudar en el campo, hacerse cargo del padre. La llegada de una muchacha que carga una valija llena de chanchos muertos hará estallar en mil pedazos la engañosa calma del lugar.

-Nunca estuviste tan adorable, de Javier Dualte (Proyecto Biodrama)
Creo que, atravesada por la coordenada del tiempo, la historia de cualquier familia se torna atractiva. Los protagonistas de esta son mi mamá, mi papá, mi abuela, mi abuelo, mi tío, mi tía y una vecina. El que nombra de este modo es, claro, un niño; un niño aun no tan perverso como para entrever en esa red de parentescos algo que lo excluya, algo que no sea la causalidad inexorable que lo trajo al mundo. Correrse, por un segundo, de ese fatalismo generacional nos lleva a un territorio mucho más lábil, donde lo que luego se lee como inevitable no es más que un momento, una situación, en definitiva, una casualidad histórica. Ese campo, el de la casualidad, es terreno privativo de la ficción.
Este espectáculo versa, a grandes rasgos, sobre la historia de la familia de mi mamá. (Javiuer Dualte)

Proyecto cruce
-Antiaereos, de Gabriel Valansi
Dieciocho dirigibles antiaéreos sobre Plaza de Mayo. Dieciocho nubes de plástico blanco. Defender desde el cielo, todo un símbolo.
Los globos antiaéreos fueron utilizados para defender las ciudades durante la Segunda Guerra Mundial. Su emplazamiento a diferentes alturas obstruía la tarea de los bombarderos enemigos. Antiaéreos trabaja este concepto sobre la Plaza de Mayo. Este sitio fue elegido por haber sido escenario involuntario de distintas luchas, por ser perímetro y resumen político de gran parte de nuestra historia. De hecho, hace cincuenta años fue bombardeada desde el aire.

-Pizzurno Pixelazo
Pizzurno pixelado es una intervención que consiste en la mega proyección sonorizada de imágenes digitales, gráficas y de video sobre la estructura de la fachada del Palacio Pizzurno. Se convertirá así en un edificio soñado, que muestra un mundo onírico y fantasioso cuya arquitectura sufre distorsiones y mutaciones, en el que lo normal deja de existir para dar lugar a una sucesión de escenas imaginarias con seres que trepan sus muros y levitan y con personajes animados digitalmente que se complementan con los hombres reales que la habitan. La música octofónica fue compuesta especialmente para el evento.

-La Marea, espacios interiores
En una calle de Buenos Aires habrá nueve espacios intervenidos. En cada uno habrá actores “instalados”, exhibidos, en diferentes situaciones. Algunos asemejarán gente real del lugar, otros serán claramente ficcionales. Sin conciencia de ser observados, desarrollarán su rutina. Las situaciones no tendrán diálogos o serán breves. Sin embargo, a través de un subtitulado, instalado en cada escena, los espectadores accederán a los pensamientos de los personajes o a la narración de su historia personal, las circunstancias en las que están involucrados o, incluso, a su futuro.
Las situaciones se representarán simultáneamente en ambos lados de la calle. El público podrá desplazarse siguiendo el flujo de las historias y los pensamientos en forma lineal o aleatoria. La idea es partir de un momento presente, representable, hacia una dimensión de historia más amplia, como una irrepresentable novela del siglo XIX, como si pudieran narrarse todas las historias -pasadas, presentes y futuras- de una porción de la ciudad.

-Tertulia
Tertulia es una intervención sonora y visual en el Cementerio de la Recoleta que transformará la necrópolis en un laberinto polifónico de sonidos, voces, imágenes y velos. En un recorrido nocturno, propondrá al caminante el despliegue simultáneo de dos acciones: leer y escribir en el territorio.
El cementerio es interpretado como una geografía compleja que articula y organiza las posibles relaciones entre memoria individual y colectiva. En el interior de ese paisaje, Tertulia construye otro: la cartografía de una conversación imposible, apócrifa.
En la composición de una situación, de una experiencia en una temporalidad distinta, Tertulia no produce una narración cronológica ni documental, sino una multiplicidad de voces, un haz de relatos. No se trata de un trabajo sobre la historia sino desde la historia.

Música

-Frédéric Galliano y The African Divas –Francia y Africa Occidental

Galliano es DJ desde 1992 y productor para F Cmmunications desde 1996. En 1998 creó su propio sello discográfico. Su música es una fusión de electrónica, jazz, cultura africana y diferentes conceptos creativos. Desde entonces su trabajo se ha alejado de las tendencias de moda. Ubicándose en una posición singular en la escena habitual de DJ´s y productores musicales. Compone música de manera totalmente original, sin referentes estéticos pero con una curiosidad intelectual real que lo hizo unir en un mismo disco a Belmondo con Nahawa Doumbia, a Louis 200 con Julien Loureau, entre muchos otros.

-Vitalic –Francia-

Gracias a su disco Poney E.P. comenzó  a sonar en las discos de todo el mundo. Pascal describe su música como “una mezcla de música dance, experimental, órganos y música francesa”.

Este año, presentó OK Cowboy, un disco largamente esperado. Para su realización usó a Brigitte, un programa muy versátil que sintetiza distintos tipos de discursos. Todos los instrumentos que utiliza son generados por un sintetizador.

Artes visuales

-Supra-Natura, instalación de Miguel Chevalier –Francia-

Es una obra interactiva, una instalación de realidad virtual en la que las plantas y flores crecen cada día en tiempo real sobre la fachada de la Alianza Francesa de Buenos Aires gracias a videoprojectores. Estas imágenes puras ya no son inmóviles sino que son generadas de alguna manera en y por el tiempo.  Este nuevo arte transformacional permite imaginar obras en perpetua metomorfosis.

Las obras de Chevalier se caracterizan por la exploración de tecnologías actuales.

-Arrabales del vacío, una topografía sonora de Thomas Koner –Alemania-

Desde hace algunos años la música electrónica, sobre todo en la franja más vanguardista, estableció lazos fuertes con las artes plásticas. Nació así un nuevo género estético que tiene que ver con el concepto de instalación o performance en la música.

Koner es no sólo un pionero en esta materia, sino también un clásico. Arrabales al vacío es una instalación mediática en la que trabaja desde 2004. Su peculiaridad radica en la presencia de Koner en vivo manipulando la música como si fuera un DJ.     

Principales workshops

-El teatro y la ciudad, dictado por Martín Wuttke –Alemania-

En este seminario, dictado por el director y actor alemán, se explorará la vida urbana y sus posibilidades de trasposición en el espacio escénico.       

-Un encuentro con Laurie Anderson –EEUU-

Tratará sobre nuevas tecnologías, ella contará algunos de sus últimos proyectos.

-Adaptando una historia, dictado por Lilo Baur –Suiza-

Hay un lenguaje universal en el que el cuerpo habla. Esta espontaneidad en el movimiento y en las palabras es lo que muchas veces los adultos intentan reencontrar. Este es el objetivo del workshop.

-Creación de lenguajes personales: descubrir cómo crear nuevos trabajos, dictado por Robyn Orlin

Con la simple improvisación y la resolución de propuestas, este workshop apunta a brindarles a los artistas que concurran la oportunidad de trabajar en un entorno que propicie métodos de investigación para el desarrollo de vocabularios personales. Focalizados en el desafío de convenciones, los asistentes reflexionarán sobre sus propios trabajos, ya que se partirá de la temática que cada uno proponga. Se llevará a cabo la presentación del material desarrollado al finalizar el curso.

-El teatro y el cuerpo: movimiento espacio juego, dictado por Jos Houben

En este workshop no se intentará transmitir un sistema de movimiento codificado que pertenezca a un estilo definido (como mimo o teatro corporal), sino que se tratarán de descubrir las leyes fundamentales del movimiento y del juego teatral a partir del cuerpo. Se trabajará a partir de dos ejes principales: el movimiento (toma de conciencia por el movimiento; el cuerpo nuetro; los apoyos y la relación con el sol; el cuerpo y el espacio) y el juego improvisado (gama de tensiones y niveles de juego; estados emocionales - estados dramáticos; equilibrio del lugar de la representación).

Muestras

-Fotogalería del Teatro San Martín

Los fotógrafos que expondrán sus obras son: Carlos Furman, Emilio García Wehbi, Alejandra López, Elías Mekler y Juan Travnik.

-Hablar. La memoria del mundo, de Fernando Rubio –Argentina-

En esta instalación fotográfica y semántica se expondrá el tercer período del archivo fotográfico y relatos de personas que respondieron a la pregunta: “Qué es lo más bello que hiciste en tu vida” que viene desarrollando Rubio.

-Ciclo de videos de teatro 

En este siglo, coordinado por Jorge Dubatti, se analizarán diferentes obras de teatro a partir de material en video.

-Art Digital Video, de Laurence Dreyfus

Es una selección de treinta y dos secuencias de cinemática digital. Su objetivo es mostrar cómo los artistas expandieron los límites a partir de las herramientas digitales hasta lograr presentarnos un contenido totalmente renovado, con enfoques estéticos, conceptuales, abstractos y críticos que nos hacen olvidar la técnica para trasladarnos a una nueva idea del arte digital.

El juego es una alternativa a la sumisión pasiva ante el mundo del espectáculo y es, a su vez un lugar en el que se encuentran lo actual y lo virtual. Sólo una obra multimedia es capaz de captar esa noción de intercambio y de absorción.